Artistic and Relational Practice
Cantiere Corpo Luogo
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Cantiere Corpo Luogo nasce nel 2010 dalla collaborazione di Andrea Penzo e Cristina Fiore. Attraverso l'operato del Cantiere, il duo di artisti dà vita a progetti curatoriali di arte contemporanea, residenze e pubblicazioni che abbiano come centro nodale la ricerca e la capacità trasformatrice dell'arte nel territorio.
Nei primi quattro anni di attività l'associazione concentra la propria azione sulla terraferma veneziana, dando vita a progetti attivatori nel territorio di Mestre, ma curando anche residenze, mostre e attività all'estero, tra cui Repubblica Ceca, Germania e Portogallo. Negli anni vengono portati avanti progetti condivisi come il Parco del Contemporaneo e rassegne di arte contemporanea quali Contro Zona nel 2013. Dal 2014 inizia ad entrare nel circuito del Cantiere anche Murano, fulcro italiano della lavorazione del vetro. Iniziano a tenersi qui, nello spazio/laboratorio di Fondamenta San Mattia, corsi e laboratori di arti visive e lavorazione del vetro. |
Cantiere Corpo Luogo was founded in 2009 thanks to the collaboration of Andrea Penzo and Cristina Fiore. Under the name Cantiere, the artist duo gives life to contemporary art curatorial projects and residencies. In addition, their publications are utilised as a nodal research point, capable of transforming the art in the area.
In the first four years of activity, Cantiere focused its objectives on the Venetian mainland. The duo not only revitalised projects in the Mestre area, but also organised and attended residences, exhibitions and activities abroad in Czech Republic, Germany and Portugal. Throughout these first years, they also carried out joint projects such as il Parco del Contemporaneo in 2012 and contemporary art exhibitions such as Contro Zona in 2013. By 2014, Murano - the Italian hub of glass working - starts to enter into the circuit of Cantiere. Courses and workshops in visual art and glass working begin to take place at the Cantiere’s current studio space in Fondamenta San Mattia, Murano. |
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Continuum è la linea progettuale promossa da Cantiere Corpo Luogo e realizzata dagli artisti Andrea Penzo e Cristina Fiore, a partire dal 2012
Drop-Out - Adalberto Abbate
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Il termine Continuum sta ad indicare una serie di livelli interrelati che costituiscono la natura stessa della sua modalità progettuale. Non solo la continuità rispetto ad un’esperienza portata avanti negli anni, che ha permesso l’evoluzione di un pensiero sull'arte in costante sviluppo, ma un esplicito riferimento alla tecnica narrativa come strumento di indagine e tassello fondamentale di una poetica artistica sempre più rivolta alla ricerca di un senso, dato dalla concatenazione di fatti, eventi e soggetti che entrano in relazione gli uni con gli altri.
Si potrebbe dire che l’esperienza umana è composta da una serie di accadimenti, segni, piccole permanenze e apparizioni macroscopiche che hanno bisogno di essere rielaborate attraverso il pensiero narrativo, per poter acquisire significato all’interno di un contesto socio-culturale dato. Tutto ciò che di per sé appare opaco e oscuro, destinato all’oblio se abbandonato a se stesso, acquisisce senso, vita e realtà nel momento in cui si colloca all’interno del continuum di una storia. Un storia significativa, spesso, non è tale per il mero accadere dei fatti che la caratterizzano, ma per il modo in cui viene costruita l’impalcatura narrativa all’interno della quale gli eventi prendono posto e si legano l’uno con l’altro. Il paesaggio di riferimento, allora, altro non può essere che humanscape. L’attitudine allo sguardo pensante che si interroga sulla natura dell’uomo è il punto di osservazione privilegiato nei progetti di Continuum, proprio per la costante ricerca di quel senso a cui si è fatto riferimento. L’uomo è di per sé parte di un ambiente che ne determina azioni, pulsioni e relazioni. La costante osservazione di sé e del contesto, in un gioco di rimandi incalzante e vitale, appare come l’unica possibilità di comprensione del proprio essere. Il passaggio tra soggettivo e oggettivo nel raccontarsi dell’arte, il suo essere proposta come indagine emotiva portata davanti allo sguardo dell’altro e narrata, è la forma peculiare delle azioni proposte. [Penzo+Fiore - Maggio 2012] |
“Continuum is the curatorial and design line promoted by Cantiere Corpo Luogo and developed by the artists Andrea Penzo and Cristina Fiore, starting from 2012.”
The term Continuum refers to a series of interrelated levels that constitute the very nature of its design approach. It is not only about continuity with an experience developed over the years—which has allowed the evolution of an ever-growing reflection on art—but also an explicit reference to narrative technique as a tool of inquiry and a fundamental element of an artistic poetics increasingly oriented toward the search for meaning, derived from the concatenation of facts, events, and subjects that relate to one another.
It could be said that human experience is composed of a series of occurrences, signs, small traces, and macroscopic appearances that need to be reworked through narrative thinking in order to acquire meaning within a given socio-cultural context. Everything that appears opaque and obscure in itself, destined to be forgotten if left alone, gains meaning, life, and reality when it is placed within the continuum of a story.
A meaningful story is often not defined merely by the events it contains, but by the way the narrative framework is constructed, within which events take place and connect with one another.
The reference landscape, then, can only be a humanscape. The attitude of a reflective gaze that questions the nature of humanity becomes the privileged point of observation in Continuum projects, precisely because of the constant search for that meaning mentioned earlier. Human beings are inherently part of an environment that shapes their actions, impulses, and relationships. The continuous observation of oneself and of the surrounding context, in a dynamic and vital interplay, appears to be the only way to understand one’s own existence. The transition between the subjective and the objective in artistic self-expression—its presentation as an emotional inquiry brought before the gaze of others and narrated—is the distinctive form of the proposed actions.
[Penzo+Fiore – May 2012]
The term Continuum refers to a series of interrelated levels that constitute the very nature of its design approach. It is not only about continuity with an experience developed over the years—which has allowed the evolution of an ever-growing reflection on art—but also an explicit reference to narrative technique as a tool of inquiry and a fundamental element of an artistic poetics increasingly oriented toward the search for meaning, derived from the concatenation of facts, events, and subjects that relate to one another.
It could be said that human experience is composed of a series of occurrences, signs, small traces, and macroscopic appearances that need to be reworked through narrative thinking in order to acquire meaning within a given socio-cultural context. Everything that appears opaque and obscure in itself, destined to be forgotten if left alone, gains meaning, life, and reality when it is placed within the continuum of a story.
A meaningful story is often not defined merely by the events it contains, but by the way the narrative framework is constructed, within which events take place and connect with one another.
The reference landscape, then, can only be a humanscape. The attitude of a reflective gaze that questions the nature of humanity becomes the privileged point of observation in Continuum projects, precisely because of the constant search for that meaning mentioned earlier. Human beings are inherently part of an environment that shapes their actions, impulses, and relationships. The continuous observation of oneself and of the surrounding context, in a dynamic and vital interplay, appears to be the only way to understand one’s own existence. The transition between the subjective and the objective in artistic self-expression—its presentation as an emotional inquiry brought before the gaze of others and narrated—is the distinctive form of the proposed actions.
[Penzo+Fiore – May 2012]
Radical
Direzione artistica, per Fondazione Berengo, dell'omonimo progetto di arte contemporanea svoltosi tra il dicembre 2018 e il gennaio 2020 a
Palazzo Franchetti, Venezia
Progetto espositivo di arte contemporanea di ricerca. Le sue linee guide nascono dall’identità intrinseca di un materiale: il vetro non fa sconti, in fase di realizzazione bisogna saperne rispettare i tempi; è un materiale fragile e prezioso, prezioso perché fragile; un materiale che non ammette mezze misure, bisogna saperlo maneggiare con consapevolezza perché non vada tutto perduto. Il vetro è un materiale sincero, trasparente, ma anche opaco ed enigmatico. Un confronto costante con la forza di gravità, un confronto costante con il rischio della bruciatura. L'ingaggio fatto ai curatori nel proporre le mostre di Radical ha a che fare con questo, con l'utilizzo di un materiale non in senso fisico ma concettuale, metaforico, che lo porti al di là del suo corpo fisico.
Ciclo di mostre: Linea di principio, con Nemanja Cvijanović & Giovanni Morbin, a cura di Daniele Capra; TO WAKE UP THE LIVING, TO WAKE UP THE DEAD, di Marcella Vanzo a cura di Matteo Bergamini; La conservazione della libertà, con Elena El Asmar e Loredana Longo, a cura di Pietro Gaglianò; Atmosfera, di Giovanna Reppetto, a cura di Lorenzo Balbi.
Ciclo di mostre: Linea di principio, con Nemanja Cvijanović & Giovanni Morbin, a cura di Daniele Capra; TO WAKE UP THE LIVING, TO WAKE UP THE DEAD, di Marcella Vanzo a cura di Matteo Bergamini; La conservazione della libertà, con Elena El Asmar e Loredana Longo, a cura di Pietro Gaglianò; Atmosfera, di Giovanna Reppetto, a cura di Lorenzo Balbi.
Linea di principio, di Nemanja Cvijanović & Giovanni Morbin, a cura di Daniele Capra
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TO WAKE UP THE LIVING, TO WAKE UP THE DEAD, di Marcella Vanzo a cura di Matteo Bergamini
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La conservazione della libertà, di Elena El Asmar e Loredana Longo, a cura di Pietro Gaglianò
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Atmosfera, di Giovanna Reppetto, a cura di Lorenzo Balbi.
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Artistic direction, for Fondazione Berengo, of the eponymous contemporary art project held between December 2018 and January 2020 at Palazzo Franchetti, Venice.
A research-based contemporary art exhibition project. Its guiding principles stem from the intrinsic identity of a material: glass makes no concessions—during its creation, one must respect its timing; it is a fragile and precious material, precious because it is fragile; a material that allows no half measures, requiring awareness in handling so that everything is not lost. Glass is a sincere, transparent material, yet also opaque and enigmatic. It entails a constant confrontation with the force of gravity, a constant confrontation with the risk of burning.
The challenge set to the curators in proposing the Radical exhibitions is connected to this: the use of a material not in a physical sense, but in a conceptual and metaphorical one, capable of taking it beyond its physical body.
Exhibition cycle: Linea di principio, with Nemanja Cvijanović & Giovanni Morbin, curated by Daniele Capra; TO WAKE UP THE LIVING, TO WAKE UP THE DEAD, by Marcella Vanzo, curated by Matteo Bergamini; La conservazione della libertà, with Elena El Asmar and Loredana Longo, curated by Pietro Gaglianò; Atmosfera, by Giovanna Reppetto, curated by Lorenzo Balbi.
Gravità
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Lavoro relazione / site specific per la mostra Brain tooling di Dolomiti Contemporanee, Forte di Monte Ricco, Pieve di Cadore
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Relational / site-specific work for the exhibition Brain Tooling by Dolomiti Contemporanee, at Forte di Monte Ricco, Pieve di Cadore.
Curated by Gianluca D'Incà Levis, Riccardo Caldura, and Petra Cason.
Which living beings climb out of survival, instinct, or choice? Plant, animal, and human beings. What can be learned from comparing these three different types of upward movement, starting from the perhaps most unconscious one of plants, to the seemingly unmotivated choice of humans? How and why does each decide to challenge the law of gravity, applying greater effort and strain in the search for something that only height can offer? What does height mean? What are the advantages of undertaking this path? Can the search for height signify escape? Or is there truly something to be found above that cannot be guaranteed below?
Research always begins with endless questions, which we, as artists, have taken on the task of addressing to those who may provide answers. Driven by these questions, encounters emerge—moments of sharing and exchange in which to reflect on these three themes: plant climbing, animal climbing, and human climbing.
Curated by Gianluca D'Incà Levis, Riccardo Caldura, and Petra Cason.
Which living beings climb out of survival, instinct, or choice? Plant, animal, and human beings. What can be learned from comparing these three different types of upward movement, starting from the perhaps most unconscious one of plants, to the seemingly unmotivated choice of humans? How and why does each decide to challenge the law of gravity, applying greater effort and strain in the search for something that only height can offer? What does height mean? What are the advantages of undertaking this path? Can the search for height signify escape? Or is there truly something to be found above that cannot be guaranteed below?
Research always begins with endless questions, which we, as artists, have taken on the task of addressing to those who may provide answers. Driven by these questions, encounters emerge—moments of sharing and exchange in which to reflect on these three themes: plant climbing, animal climbing, and human climbing.
Murano Magma
I processi dell'arte contemporanea nella rilettura dell'identità culturale, artistica e territoriale dell'isola di Murano
Murano Magma è una piattaforma di ricerca che si pone come obiettivo quello di indagare il rapporto tra arte contemporanea – in tutte le sue molteplici sfaccettature – e l’identità che si è generata intorno alla cultura del vetro; il progetto nasce dagli artisti Penzo+Fiore che, dopo anni di progettualità legata alla riqualificazione urbana in territorio mestrino, hanno intrapreso un percorso analogo a Murano. Attraverso l’approccio in sé multidisciplinare a cui il mondo dell’arte ci ha abituati, in forma del tutto sperimentale Murano Magma ha la funzione di raccogliere una serie di esperienze volte a cercare e praticare un terreno comune tra questi ambiti. Attraverso il coinvolgimento di enti, istituzioni, singoli artisti, studiosi, artigiani e abitanti dell’isola, ci si propone di trovare un tessuto connettivo in grado di dare vita ad un racconto nuovo, ancora non scritto, di una delle realtà artistiche e produttive più affascinanti del nostro territorio. Attraverso incontri ricorrenti, con Murano Magma si vuole dare continuità ad un nucleo di confronto che porti ad emergere contenuti nuovi e la possibilità di generare relazioni.
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Evento realizzato in collaborazione con Palazzo Grassi. Ospiti: Igor Balbi, Stefano Bullo, Roberto Donà, Pietro e Riccardo Ferro, Fabio Fornasier, Davide Penso, Lucio Bubacco, Nicola Donà, Michela Scibilia e Berengo Studio. Relatori: Riccardo Caldura, Chiara Bertola, Elena Casadoro e Francesca Fungher, Daniele Capra, Annalisa Cattani e Tiberio Scozzafava-Jaeger. Artisti: Adalberto Abbate, Marta Allegri, Daniella Perez Bacigalupo, Samanta Cinquini, Andrea Contin, Patrizia Giambi, Francesco Nordio, Alessandro Sambini, Silvia Vendramel, Luigi Viola.
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The processes of contemporary art in reinterpreting the cultural, artistic, and territorial identity of the island of Murano
Murano Magma is a research platform aimed at investigating the relationship between contemporary art—in all its many facets—and the identity that has developed around glass culture. The project was initiated by the artists Andrea Penzo and Cristina Fiore who, after years of projects related to urban regeneration in the Mestre area, embarked on a similar path in Murano.
Through the inherently multidisciplinary approach that the art world has accustomed us to, Murano Magma operates in a fully experimental way, gathering a series of experiences aimed at seeking and practicing a shared ground between these fields. By involving organizations, institutions, individual artists, scholars, artisans, and residents of the island, the project seeks to build a connective fabric capable of generating a new narrative—one not yet written—of one of the most fascinating artistic and productive realities of our territory.
Through recurring meetings, Murano Magma aims to give continuity to a core of dialogue that can bring forth new content and the possibility of generating relationships.
Event realized in collaboration with Palazzo Grassi.
Guests: Igor Balbi, Stefano Bullo, Roberto Donà, Pietro Ferro and Riccardo Ferro, Fabio Fornasier, Davide Penso, Lucio Bubacco, Nicola Donà, Michela Scibilia, and Berengo Studio.
Speakers: Riccardo Caldura, Chiara Bertola, Elena Casadoro and Francesca Fungher, Daniele Capra, Annalisa Cattani, and Tiberio Scozzafava-Jaeger.
Artists: Adalberto Abbate, Marta Allegri, Daniella Perez Bacigalupo, Samanta Cinquini, Andrea Contin, Patrizia Giambi, Francesco Nordio, Alessandro Sambini, Silvia Vendramel, Luigi Viola.
Frammenti di Murano
L'arte contemporanea come ricomposizione di relazioni.
A Murano, come in altri distretti produttivi, le dinamiche della convivenza tra le aziende che lo caratterizzano sono spesso conflittuali. È normale: il conflitto definisce l’identità stessa di un distretto produttivo, in cui la collaborazione si mescola alla concorrenza in forme spesso imprevedibili. Ma mentre la collaborazione, con la sua retorica, è facile da celebrare e proclamare, più difficile è affrontare il tema del conflitto e della frammentazione che esso genera. L’unico modo che sembra esistere per parlare del conflitto è invocare direttamente la sua soluzione: la rete. Il conflitto, invece, crediamo, va guardato, detto ed elaborato per avere qualche speranza di ricomporre davvero i frammenti in qualcosa di più solido. Forse è una questione di linguaggio, o di linguaggi. Forse ascoltando più voci attorno al tema del conflitto lo si può comprendere meglio. Forse mettendo in campo anche la voce, ma soprattutto la prassi, dell’arte contemporanea. È questa l’idea di base dell’incontro del 17 giugno: aggredire il tema del confitto da un punto di vista artistico ed economico.
In tutto questo crediamo che l’arte possa giocare un ruolo di primo piano. L’arte, come scrive Silvia Demozzi, “… è in grado di tessere, disfare e ritessere molteplici versioni del mondo, sapendo anche accettare l’incoerenza e la fragilità delle mappe designate, così come l’imprevedibilità degli esiti di ogni descrizione e di ogni progetto. È in grado, infine, di creare insieme alle creature: non fuori di esse, non per mezzo di esse, bensì con esse. Insieme. Proprio come insieme co-creano organismo e ambiente, mente e natura, forma e sostanza...”.
Conferenza
Il 17 giugno 2017 si è svolto a Murano l’incontro “Frammenti di Murano. L’arte contemporanea come ricomposizione di relazioni”, a cura di Penzo+Fiore e M.A.C.lab, Ca’ Foscari. Il progetto è stato ospitato all’interno dell’antica fornace di Berengo Studio in Campiello della Pescheria, spazio abitato dall’installazione di Loris Gréaud a cura di Nicolas Bourriaud.
Relatori: Monica Calcagno, Docente Ca’ Foscari; Riccardo Caldura, Docente Accademia di Venezia; Pietro Gaglianò, Critico d’arte; Bettina Tschumi, Curatrice – Berengo Studio; Koen Vanmechelen, Artista; Massimo Warglien, Docente Ca’ Foscari; Lauso Zagato, Docente Ca’ Foscari.
Artisti: Adalberto Abbate, Marta Allegri, Daniella Perez Bacigalupo, Samanta Cinquini, Andrea Contin, Patrizia Giambi, Francesco Nordio, Alessandro Sambini, Silvia Vendramel, Luigi Viola.
Tavola rotonda, coordinata dal Prof. Bruno Bernardi: Andrea Della Valetina, Confartigianato; Cristiano Ferro, Confindustria; Sergio Malara, Promovetro; Martina Semenzato, Scuola del Vetro Abate Zanetti; Chiara Squarcina, Museo del Vetro.
Il 17 giugno 2017 si è svolto a Murano l’incontro “Frammenti di Murano. L’arte contemporanea come ricomposizione di relazioni”, a cura di Penzo+Fiore e M.A.C.lab, Ca’ Foscari. Il progetto è stato ospitato all’interno dell’antica fornace di Berengo Studio in Campiello della Pescheria, spazio abitato dall’installazione di Loris Gréaud a cura di Nicolas Bourriaud.
Relatori: Monica Calcagno, Docente Ca’ Foscari; Riccardo Caldura, Docente Accademia di Venezia; Pietro Gaglianò, Critico d’arte; Bettina Tschumi, Curatrice – Berengo Studio; Koen Vanmechelen, Artista; Massimo Warglien, Docente Ca’ Foscari; Lauso Zagato, Docente Ca’ Foscari.
Artisti: Adalberto Abbate, Marta Allegri, Daniella Perez Bacigalupo, Samanta Cinquini, Andrea Contin, Patrizia Giambi, Francesco Nordio, Alessandro Sambini, Silvia Vendramel, Luigi Viola.
Tavola rotonda, coordinata dal Prof. Bruno Bernardi: Andrea Della Valetina, Confartigianato; Cristiano Ferro, Confindustria; Sergio Malara, Promovetro; Martina Semenzato, Scuola del Vetro Abate Zanetti; Chiara Squarcina, Museo del Vetro.
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Contemporary art as the recomposition of relationships
In Murano, as in other production districts, the dynamics of coexistence among the companies that characterize it are often conflictual. This is normal: conflict defines the very identity of a production district, where collaboration blends with competition in often unpredictable ways. Yet while collaboration—with its rhetoric—is easy to celebrate and proclaim, it is more difficult to address the issue of conflict and the fragmentation it generates.
The only apparent way to speak about conflict is to invoke its direct resolution: the network. Conflict, however, we believe, must be observed, articulated, and processed if there is to be any real hope of recomposing its fragments into something more solid. Perhaps it is a matter of language—or of languages. Perhaps by listening to multiple voices around the theme of conflict, it can be better understood. Perhaps by also introducing the voice—and above all the practice—of contemporary art. This is the core idea behind the meeting of June 17: to tackle the theme of conflict from both an artistic and an economic perspective.
Within this framework, we believe that art can play a leading role. As Silvia Demozzi writes, “…it is capable of weaving, unweaving, and reweaving multiple versions of the world, while also accepting the inconsistency and fragility of designated maps, as well as the unpredictability of the outcomes of every description and every project. Ultimately, it is capable of creating together with living beings: not outside them, not by means of them, but with them. Together. Just as organism and environment, mind and nature, form and substance co-create together…”
Conference
On June 17, 2017, the meeting “Frammenti di Murano. Contemporary art as the recomposition of relationships” took place in Murano, curated by Andrea Penzo and Cristina Fiore and M.A.C.lab Ca’ Foscari. The project was hosted inside the historic furnace of Berengo Studio in Campiello della Pescheria, a space occupied by an installation by Loris Gréaud, curated by Nicolas Bourriaud.
Speakers: Monica Calcagno, lecturer at Ca’ Foscari University of Venice; Riccardo Caldura, lecturer at the Venice Academy of Fine Arts; Pietro Gaglianò; Bettina Tschumi, Berengo Studio; Koen Vanmechelen; Massimo Warglien, Ca’ Foscari University of Venice; Lauso Zagato, Ca’ Foscari University of Venice.
Artists: Adalberto Abbate, Marta Allegri, Daniella Perez Bacigalupo, Samanta Cinquini, Andrea Contin, Patrizia Giambi, Francesco Nordio, Alessandro Sambini, Silvia Vendramel, Luigi Viola.
Round table, coordinated by Prof. Bruno Bernardi: Andrea Della Valetina, Confartigianato; Cristiano Ferro, Confindustria; Sergio Malara, Promovetro; Martina Semenzato, Scuola del Vetro Abate Zanetti; Chiara Squarcina, Museo del Vetro.
In Murano, as in other production districts, the dynamics of coexistence among the companies that characterize it are often conflictual. This is normal: conflict defines the very identity of a production district, where collaboration blends with competition in often unpredictable ways. Yet while collaboration—with its rhetoric—is easy to celebrate and proclaim, it is more difficult to address the issue of conflict and the fragmentation it generates.
The only apparent way to speak about conflict is to invoke its direct resolution: the network. Conflict, however, we believe, must be observed, articulated, and processed if there is to be any real hope of recomposing its fragments into something more solid. Perhaps it is a matter of language—or of languages. Perhaps by listening to multiple voices around the theme of conflict, it can be better understood. Perhaps by also introducing the voice—and above all the practice—of contemporary art. This is the core idea behind the meeting of June 17: to tackle the theme of conflict from both an artistic and an economic perspective.
Within this framework, we believe that art can play a leading role. As Silvia Demozzi writes, “…it is capable of weaving, unweaving, and reweaving multiple versions of the world, while also accepting the inconsistency and fragility of designated maps, as well as the unpredictability of the outcomes of every description and every project. Ultimately, it is capable of creating together with living beings: not outside them, not by means of them, but with them. Together. Just as organism and environment, mind and nature, form and substance co-create together…”
Conference
On June 17, 2017, the meeting “Frammenti di Murano. Contemporary art as the recomposition of relationships” took place in Murano, curated by Andrea Penzo and Cristina Fiore and M.A.C.lab Ca’ Foscari. The project was hosted inside the historic furnace of Berengo Studio in Campiello della Pescheria, a space occupied by an installation by Loris Gréaud, curated by Nicolas Bourriaud.
Speakers: Monica Calcagno, lecturer at Ca’ Foscari University of Venice; Riccardo Caldura, lecturer at the Venice Academy of Fine Arts; Pietro Gaglianò; Bettina Tschumi, Berengo Studio; Koen Vanmechelen; Massimo Warglien, Ca’ Foscari University of Venice; Lauso Zagato, Ca’ Foscari University of Venice.
Artists: Adalberto Abbate, Marta Allegri, Daniella Perez Bacigalupo, Samanta Cinquini, Andrea Contin, Patrizia Giambi, Francesco Nordio, Alessandro Sambini, Silvia Vendramel, Luigi Viola.
Round table, coordinated by Prof. Bruno Bernardi: Andrea Della Valetina, Confartigianato; Cristiano Ferro, Confindustria; Sergio Malara, Promovetro; Martina Semenzato, Scuola del Vetro Abate Zanetti; Chiara Squarcina, Museo del Vetro.
Contro Zona
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"Davanti ai buoni progetti che coinvolgono città, artisti e istituzioni, ci si sente trasmettere l’entusiasmo che gli organizzatori emanano descrivendo il loro lavoro. A volte questo è frenato dalla macchinosità burocratica, dalla mancanza di fondi minimi, dall’assenza di referenti disponibili. Contro Zona, il cui scopo è mettere in dialogo Mestre con i giovani artisti, è passato nella cruna di molte difficoltà ma ha saputo farvi fronte con energia".
[Angela Vettese - Catalogo Controzona - Zel Edizioni] |
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“In the face of successful projects involving cities, artists, and institutions, one can feel the enthusiasm conveyed by the organizers as they describe their work. At times, this enthusiasm is hindered by bureaucratic complexity, a lack of minimal funding, and the absence of available interlocutors. Contro Zona, whose aim is to bring Mestre into dialogue with young artists, has passed through the eye of many difficulties but has managed to face them with energy.”
[Angela Vettese – Controzona Catalogue – Zel Edizioni]
[Angela Vettese – Controzona Catalogue – Zel Edizioni]
Espansioni/Contrazioni
Il movimento di espansione e contrazione descrive un'attitudine propria del corpo vivo, un suo elemento funzionale che ne contraddistingue lo stato di benessere lì dove tale attitudine non venga interrotta, ingabbiata, scomposta, frammentata.
Seguendo la linea di espansione che dal centro individuale porta verso l'esterno, si incontra il mondo che circonda l'umano, dall'infinitamente piccolo dello spazio limitrofo all'infinitamente grande del cosmo. Un movimento costante che si spinge verso un fuori e che rimbalza, subito dopo, verso un dentro.
La mostra “espansione/contrazione” nasce da un percorso che è stato proposto agli artisti nel luglio 2013. Da un lato un orizzonte di senso creato dal Prof. Tarca, sul superamento di un superamento, sulla problematizzazione di quella ricomposizione tra corpo e mente che ha caratterizzato gran parte del pensiero filosofico del '900 con la messa al bando di Cartesio, per una visione più laica della differenziazione e non assolutizzazione della verità del corpo. Dall'altro lato, due giorni di laboratori esperienziali durante i quali gli artisti si sono accostati, anche attraverso l'esperienza fisica vera e propria condotta da Paolo Maccagno, al pensiero di Alexander Lowen, fondatore dell'analisi bioenergetica, pratica volta alla cura dei blocchi psichici attraverso un approccio diretto alla risoluzione degli scompensi fisici.
Seguendo la linea di espansione che dal centro individuale porta verso l'esterno, si incontra il mondo che circonda l'umano, dall'infinitamente piccolo dello spazio limitrofo all'infinitamente grande del cosmo. Un movimento costante che si spinge verso un fuori e che rimbalza, subito dopo, verso un dentro.
La mostra “espansione/contrazione” nasce da un percorso che è stato proposto agli artisti nel luglio 2013. Da un lato un orizzonte di senso creato dal Prof. Tarca, sul superamento di un superamento, sulla problematizzazione di quella ricomposizione tra corpo e mente che ha caratterizzato gran parte del pensiero filosofico del '900 con la messa al bando di Cartesio, per una visione più laica della differenziazione e non assolutizzazione della verità del corpo. Dall'altro lato, due giorni di laboratori esperienziali durante i quali gli artisti si sono accostati, anche attraverso l'esperienza fisica vera e propria condotta da Paolo Maccagno, al pensiero di Alexander Lowen, fondatore dell'analisi bioenergetica, pratica volta alla cura dei blocchi psichici attraverso un approccio diretto alla risoluzione degli scompensi fisici.
Sara Mognol_YOU ARE MY BODY
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Andrea Contin_FLAME (CHAINS)_Foto di Simone Falso
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Sandra Hauser_A SHADY MIND IN A HYPOTETICAL BODY
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The movement of expansion and contraction describes an attitude intrinsic to the living body, a functional element that defines its state of well-being when such an attitude is not interrupted, constrained, broken down, or fragmented.
Following the line of expansion that moves from the individual center outward, one encounters the world surrounding the human being, from the infinitely small of the immediate space to the infinitely large of the cosmos. A constant movement that pushes outward and then rebounds inward.
The exhibition “Expansion/Contraction” originates from a process proposed to the artists in July 2013. On one side, a horizon of meaning developed by Prof. Luigi Vero Tarca, centered on the overcoming of an overcoming, and on problematizing that recomposition of body and mind which characterized much of 20th-century philosophical thought with the rejection of René Descartes, in favor of a more secular vision of differentiation rather than the absolutization of bodily truth.
On the other side, two days of experiential workshops during which the artists engaged—also through direct physical experience led by Paolo Maccagno—with the thought of Alexander Lowen, founder of bioenergetic analysis, a practice aimed at addressing psychological blocks through a direct approach to resolving physical imbalances.
Il corpo come contesto e come testo
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Nel luglio del 2013 si svolge la Conferenza del Prof. Luigi Vero Tarca (Università Ca’ Foscari di Venezia Dipartimento di Filosofia e Beni Culturali)
Il corpo costituisce uno dei temi centrali del pensiero del nostro tempo (prima sulla scia di Nietzsche, poi in varie direzioni da Merleau-Ponty a Galimberti etc.). Il fondamento filosofico di ciò risiede nell’acquisizione della consapevolezza che la separazione (o addirittura la scissione) tra la dimensione spirituale e quella corporea costituisce un atteggiamento patologico sia dal punto di vista del pensiero (come dimostrano le ricerche logico-filosofiche di Wittgenstein) che da quello della vita pratica (psicoanalisi etc.). Tale impostazione si colloca a sua volta all’interno di una dimensione di pensiero che, avvertendo la problematicità di ogni pensiero dicotomico e quindi gerarchico (da Derrida e Deleuze in avanti), mira a un nuovo atteggiamento complessivo nei confronti della vita e dell’esperienza del mondo. Ma questa di superare le dicotomie – e in particolare del dualismo mente/corpo che molti ritengono sia stato egemone nella nostra cultura a partire da Descartes – presenta dei problemi di non poco conto, a partire dal rischio che anche la valorizzazione del corpo si presenti a sua volta come la ‘fissazione’ di un corpo che, se non tiene conto della dimensione integrale della corporeità, compresa quella mentale che alcune tradizioni sapienziali chiamano ‘sottile’, finisce per rovesciarsi in una nuova esperienza di dicotomia e quindi di scissione. Attorno a queste domande, e sulle possibili risposte, si muove la relazione che viene presentata, la quale esplora le dimensioni per le quali il corpo si presenta nello stesso tempo come contesto del discorso e come testo a sua volta significante. |
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In July 2013, a lecture by Prof. Luigi Vero Tarca (Ca’ Foscari University of Venice, Department of Philosophy and Cultural Heritage) took place.
The body constitutes one of the central themes of contemporary thought (first following Friedrich Nietzsche, then in various directions from Maurice Merleau-Ponty to Umberto Galimberti, etc.). The philosophical foundation of this lies in the awareness that the separation (or even split) between the spiritual and bodily dimensions represents a pathological attitude both in terms of thought (as demonstrated by the logical-philosophical research of Ludwig Wittgenstein) and in practical life (psychoanalysis, etc.).
This framework is situated within a broader dimension of thought that, recognizing the problematic nature of any dichotomous—and therefore hierarchical—thinking (from Jacques Derrida and Gilles Deleuze onward), aims at a new overall attitude toward life and the experience of the world.
However, the attempt to overcome dichotomies—particularly the mind/body dualism that many believe has dominated our culture since René Descartes—presents significant challenges. One of these is the risk that even the valorization of the body may become a “fixation” on the body itself which, if it does not account for the integral dimension of corporeality—including the mental dimension that some wisdom traditions call “subtle”—ends up reversing into a new form of dichotomy and thus division.
These questions, and their possible answers, form the basis of the presented lecture, which explores the ways in which the body appears simultaneously as the context of discourse and as a meaningful text in itself.
The body constitutes one of the central themes of contemporary thought (first following Friedrich Nietzsche, then in various directions from Maurice Merleau-Ponty to Umberto Galimberti, etc.). The philosophical foundation of this lies in the awareness that the separation (or even split) between the spiritual and bodily dimensions represents a pathological attitude both in terms of thought (as demonstrated by the logical-philosophical research of Ludwig Wittgenstein) and in practical life (psychoanalysis, etc.).
This framework is situated within a broader dimension of thought that, recognizing the problematic nature of any dichotomous—and therefore hierarchical—thinking (from Jacques Derrida and Gilles Deleuze onward), aims at a new overall attitude toward life and the experience of the world.
However, the attempt to overcome dichotomies—particularly the mind/body dualism that many believe has dominated our culture since René Descartes—presents significant challenges. One of these is the risk that even the valorization of the body may become a “fixation” on the body itself which, if it does not account for the integral dimension of corporeality—including the mental dimension that some wisdom traditions call “subtle”—ends up reversing into a new form of dichotomy and thus division.
These questions, and their possible answers, form the basis of the presented lecture, which explores the ways in which the body appears simultaneously as the context of discourse and as a meaningful text in itself.
Corpo Contesto
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A luglio del 2013 si svolge l'Incontro formativo teorico/pratico condotto da Paolo Maccagno su Alexander Lowen.
"Limite è una condizione che ha a che fare con l'idea di margine, di soglia, di liminarità. Un luogo sorgivo che dà vertigine, spaesamento, inquietudine, ma che attrae. Uno spazio e un tempo che si avverte come ignoto ma possibile, come una wilderness, un territorio selvaggio. Una condizione magica di sospensione che libera all'esplorazione. Limite non è solo un spazio e un tempo, è una postura da ricercare attraverso l'esperienza del corpo-proprio per sentirsi vivi. Il corpo espone al mondo. Il laboratorio propone la ricerca di una postura-limite esplorativa attraverso un lavoro sul corpo ispirato all'insegnamento di Alexander Lowen e al metodo Feldenkrais. Grammatica del corpo è grammatica del paesaggio. Limite è un ʻmovimento di esposizioneʼ a cui guardare quando ci si pone la domanda antropologica e filosofica di cosa sia l'umano (Nordic network for philosophical anthropology)." Paolo Maccagno |
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In July 2013, a theoretical/practical training meeting led by Paolo Maccagno on Alexander Lowen took place.
“Limit is a condition related to the idea of boundary, threshold, and liminality. A generative place that produces vertigo, disorientation, and unease, yet also attracts. A space and time perceived as unknown but possible, like a wilderness—a wild territory. A magical condition of suspension that opens the way to exploration. Limit is not only space and time; it is a posture to be sought through the experience of one’s own body in order to feel alive. The body exposes itself to the world. The workshop proposes the exploration of a ‘limit-posture’ through bodily work inspired by the teachings of Alexander Lowen and the Feldenkrais Method. The grammar of the body is the grammar of the landscape. Limit is a ‘movement of exposure’ to be considered when addressing the anthropological and philosophical question of what it means to be human (Nordic Network for Philosophical Anthropology).”
Paolo Maccagno
“Limit is a condition related to the idea of boundary, threshold, and liminality. A generative place that produces vertigo, disorientation, and unease, yet also attracts. A space and time perceived as unknown but possible, like a wilderness—a wild territory. A magical condition of suspension that opens the way to exploration. Limit is not only space and time; it is a posture to be sought through the experience of one’s own body in order to feel alive. The body exposes itself to the world. The workshop proposes the exploration of a ‘limit-posture’ through bodily work inspired by the teachings of Alexander Lowen and the Feldenkrais Method. The grammar of the body is the grammar of the landscape. Limit is a ‘movement of exposure’ to be considered when addressing the anthropological and philosophical question of what it means to be human (Nordic Network for Philosophical Anthropology).”
Paolo Maccagno
Parco del Contemporaneo
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Cantiere Corpo Luogo (Cristina Fiore e Andrea Penzo), che, dopo aver partecipato a CostellAazioni nel maggio di quello stesso anno (2011), a settembre hanno presentato la mostra del fotografo tedesco Roland Wirtz, con 14 fotografie di grandi dimensioni, prodotte utilizzando come camera fotografica un intero camion appositamente elaborato per poter generare immagini con la tecnica della dagherrotipia. La pubblicazione “In front of- Dialogo con Roland Wirtz” (confine edizioni, 2011) rappresenta di per se stessa il particolare modo di operare di Fiore e Penzo, cioè la costruzione di una forma saggistica che non si limita a commentare le opere presentate, ma origina una particolare narrazione dove le informazioni sulle opere, la testimonianza diretta, in questo caso, dell’artista coinvolto e la descrizione del vissuto dei due curatori nel farsi del progetto costituiscono un tutt’uno. Il concetto di humanscape animerà le proposte successive del sodalizio, pensate come interventi artistici entro il contesto dell’ex-fortilizio. In particolare, mantenendo il binomio fra seminario e successivo sviluppo di un progetto espositivo, viene concepito il progetto Ecology of Mind, che ha richiesto alcuni mesi di lavoro con un gruppo di artisti, tre conferenze sull’opera di Gregory Bateson, nonché il coinvolgimento del circolo Bateson, della fondazione Bevilacqua La Masa, del Master in Comunicazione e Linguaggi Non Verbali dell’Università Ca’ Foscari di Venezia. L’esperienza è stata raccolta nella pubblicazione “Punti di ancoraggio- Un viaggio artistico nel pensiero di Gregory Bateson” (Grafiche Antiga, 2013), autore che Fiore e Penzo considerano “molto significativo in questo contesto tra terra e laguna fatto di natura e relazioni umane”, e che diventa così un’ulteriore occasione per mettere a fuoco il proprio metodo di lavoro: “Noi siamo artisti che si esprimono con il visivo e con il testuale, amiamo indagare attraverso la creatività nostra e altrui”, motivo per cui “creiamo un meccanismo in grado di far sviscerare un pensiero attraverso il punto di vista e la pratica di quattordici artisti, invitati appositamente a collocarsi nello sguardo di questo autore” (ibid.).
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Cantiere Corpo Luogo (Cristina Fiore and Andrea Penzo), after having taken part in Costellazioni in May of the same year (2011), in September have presented the exhibit of the German photographer Roland Wirts, with 14 photographs of variable sizes, produced using an entire lorry as a camera, especially made to be able to generate images with the technique of the daguerreotype. The publishing of “In front of- Conversation with Roland Wirtz” (con-fine publishing, 2011) represents in itself the particular way in which Fiore and Penzo work, that is to say with the construction of an essay-like form that is not limited to the comment of the presented work, but originates a particular narrative where the information on the artworks, the direct testimony of, in this case, the artist involved, and the description of the two curator’s own experience in the making of the project, constitute a whole. The concept of humanscape was going to animate the following proposals of the partnership, thought out like artistic interventions inside the context of the former fort. In particular, maintaining the harmonic union between the seminar and the following development of an exhibitive project, the project “Ecology of Mind” was conceived, which has required some months of work with a group of artists, three conferences on the work of Gregory Bateson, as well as the involvement of the Bateson circle, of the Bevilacqua La Masa Foundation, of the Master in Communication and Non-Verbal Languages of the Ca’ Foscari University of Venice. The experience is told in the publication “Anchoring points – an artistic itinerary in Bregory Bateson’s thought” (Grafiche Antiga, 2013), author that Fiore and Penzo consider “very meaningful in this context, between land and lagoon made of nature and human relations”, and that thus becomes an additional occasion to focus on one’s own modus operandi: “We are artists whom express themselves with the visual and the textual, we love to investigate through our own creativity and other’s”, which is why “we create a mechanism able to explore a way of thinking through the point of view and the practice of fourteen artists, especially invited to put themselves in the eyes of this author” (ibid).
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[Riccardo Caldura | Forte Marghere\Parco del Contemporaneo - Dolomiti Contemporanee ]
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Punti di ancoraggio - il libro
Un viaggio artistico nel pensiero di Gregory Bateson
di Cristina Fiore e Andrea Penzo
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Il libro costituisce l'ultimo tassello del progetto “Ecology of mind”, ideato e realizzato da Cantiere Corpo Luogo durante Parco del Contemporaneo 2012.
Si è partiti nel luglio 2012 con un ciclo di conferenze organizzate insieme al Circolo Bateson, a cui ha partecipato un gruppo di quattordici artisti. Nei quattro mesi successivi, ognuno di loro ha rielaborato gli input ricevuti sul pensiero di Gregory Bateson, dando vita alle opere che abbiamo espoto, nel novembre 2012, con la mostra “Ecology of mind - Punti di ancoraggio”. La pubblicazione nasce dal desiderio di lasciare una traccia concreta e visibile dei pensieri, delle riflessioni, degli approcci che hanno condotto gli artisti attraverso questo processo creativo/cognitivo. |
An artistic journey through the thought of Gregory Bateson
by Cristina Fiore and Andrea Penzo
The book represents the final stage of the project “Ecology of Mind”, conceived and developed by Cantiere Corpo Luogo during Parco del Contemporaneo 2012.
The project began in July 2012 with a cycle of conferences organized together with the Circolo Bateson, involving a group of fourteen artists. Over the following four months, each of them reworked the inputs received from the thought of Gregory Bateson, giving rise to the works exhibited in November 2012 in the show “Ecology of Mind – Anchoring Points.”
The publication stems from the desire to leave a concrete and visible trace of the thoughts, reflections, and approaches that guided the artists through this creative and cognitive process.
by Cristina Fiore and Andrea Penzo
The book represents the final stage of the project “Ecology of Mind”, conceived and developed by Cantiere Corpo Luogo during Parco del Contemporaneo 2012.
The project began in July 2012 with a cycle of conferences organized together with the Circolo Bateson, involving a group of fourteen artists. Over the following four months, each of them reworked the inputs received from the thought of Gregory Bateson, giving rise to the works exhibited in November 2012 in the show “Ecology of Mind – Anchoring Points.”
The publication stems from the desire to leave a concrete and visible trace of the thoughts, reflections, and approaches that guided the artists through this creative and cognitive process.
Punti di Ancoraggio - La Mostra
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A novembre del 2012 viene inaugurata la Mostra dei lavori realizzati a partire dalle giornate di conferenza su Gregory Bateson. Un incontro di sforzi cognitivi e intuizioni sincroniche che si snoda tra performance, installazioni, pittura, scultura e video.
Rielaborando gli stimoli ricevuti e forti della libertà conoscitiva ed espressiva che l'arte permette nell'indagare temi complessi, i 14 artisti hanno creato quei “Punti di Ancoraggio” che possono costituire un appiglio verso un pensiero che si definisce proprio attraverso l'indagine della struttura e del meccanismo stesso del conoscere.
Una mostra fatta di natura vegetale ed umana, di video, installazioni e performance, ricca di vitalità e di ironia. Il progetto, curato da Cantiere Corpo Luogo, è stato realizzato con la collaborazione di Circolo Bateson, Fondazione Bevilacqua La Masa, Master in Comunicazione e Linguaggi Non Verbali dell'Università Ca' Foscari di Venezia. |
In November 2012, the exhibition of works developed from the conference sessions on Gregory Bateson was inaugurated. A convergence of cognitive efforts and synchronic intuitions unfolds through performances, installations, painting, sculpture, and video.
By reworking the stimuli received—and empowered by the cognitive and expressive freedom that art allows in exploring complex themes—the fourteen artists created those “Anchoring Points” that may serve as footholds toward a mode of thinking defined precisely through the investigation of the structure and mechanisms of knowledge itself.
An exhibition composed of vegetal and human elements, of video, installations, and performance, rich in vitality and irony. The project, curated by Cantiere Corpo Luogo, was realized in collaboration with the Circolo Bateson, the Fondazione Bevilacqua La Masa, and the Master’s program in Communication and Non-Verbal Languages at Ca’ Foscari University of Venice.
Ecology of mind
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Dal 9 all'11 luglio del 2012 si svolgono negli spazi di C32 i tre incontri dedicati a Gregory Bateson tenuti da Rosalba Conserva, Tiziano Possamai e Silvia Demozzi. Gli incontri sono rivolti a 14 artisti, chiamati a rielaborare creativamente gli input ricevuti.
In un luogo di produzione artistica come il Parco del Contemporaneo di Forte Marghera si propone di essere, è di fondamentale importanza creare degli spazi di produzione di pensiero e di narrazioni che parlino dell'attitudine a cercare un proprio personale percorso di conoscenza, al di là delle tradizionali forme dell'apprendimento, per andare invece nella direzione di quella costruzione dell'individuo che implica la trasformazione di sé di fronte ai nuovi stimoli cognitivi.
Da questa consapevolezza e dal desiderio di aggiungere input alla riflessione sul complesso e affascinante rapporto tra uomo, arte e contesto, nasce “Ecology of mind”, il progetto di Cantiere Corpo Luogo per Forte Marghera Parco del Contemporaneo. |
From July 9 to 11, 2012, three meetings dedicated to Gregory Bateson took place at the C32 spaces, led by Rosalba Conserva, Tiziano Possamai, and Silvia Demozzi. The meetings were addressed to fourteen artists, invited to creatively re-elaborate the inputs received.
In a place of artistic production such as the Contemporary Park of Forte Marghera, it is essential to create spaces for the production of thought and narratives that reflect an attitude oriented toward seeking a personal path of knowledge—beyond traditional forms of learning—moving instead toward a construction of the individual that involves self-transformation in response to new cognitive stimuli.
From this awareness, and from the desire to contribute further input to the reflection on the complex and fascinating relationship between human beings, art, and context, “Ecology of Mind” was born—the project by Cantiere Corpo Luogo for Forte Marghera Parco del Contemporaneo.
In a place of artistic production such as the Contemporary Park of Forte Marghera, it is essential to create spaces for the production of thought and narratives that reflect an attitude oriented toward seeking a personal path of knowledge—beyond traditional forms of learning—moving instead toward a construction of the individual that involves self-transformation in response to new cognitive stimuli.
From this awareness, and from the desire to contribute further input to the reflection on the complex and fascinating relationship between human beings, art, and context, “Ecology of Mind” was born—the project by Cantiere Corpo Luogo for Forte Marghera Parco del Contemporaneo.
Fanzine Continuum
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Il progetto Continuum nasce nel 2012, congiuntamente al N.000 dell'omonima fanzine per il parco del Contemporaneo.
Nasce come progetto nomade che abita differenti spazi, creando una trama effimera tra di essi. Mira a produrre eventi e materiali narrativi in grado di restituire dei nuclei creativi di senso legati al concetto di humanscape. “L' esperienza umana è composta da una serie di accadimenti, segni, piccole permanenze e apparizioni macroscopiche che hanno bisogno di essere rielaborate attraverso il pensiero narrativo, per poter acquisire significato all'interno di un contesto socio-culturale dato”. Tutto ciò che di per sé appare opaco e oscuro, destinato all'oblio se abbandonato a se stesso, acquisisce vita e realtà nel momento in cui si colloca all'interno del continuum di una stori 
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The Continuum project was launched in 2012, together with issue no. 000 of the fanzine of the same name for the Contemporary Park.
It originated as a nomadic project inhabiting different spaces, creating an ephemeral network among them. It aims to produce events and narrative materials capable of conveying creative nuclei of meaning linked to the concept of humanscape.
“Human experience is composed of a series of occurrences, signs, small traces, and macroscopic appearances that need to be reworked through narrative thinking in order to acquire meaning within a given socio-cultural context.” Everything that appears opaque and obscure in itself—destined to oblivion if left on its own—acquires life and reality when it is placed within the continuum.
It originated as a nomadic project inhabiting different spaces, creating an ephemeral network among them. It aims to produce events and narrative materials capable of conveying creative nuclei of meaning linked to the concept of humanscape.
“Human experience is composed of a series of occurrences, signs, small traces, and macroscopic appearances that need to be reworked through narrative thinking in order to acquire meaning within a given socio-cultural context.” Everything that appears opaque and obscure in itself—destined to oblivion if left on its own—acquires life and reality when it is placed within the continuum.
